Under the title Undercurrents, we have invited 5 international artists working in different fields: drawing and spatial installation, fashion, jewellery and photography, but they all have one thing in common: they have been friends for many years.

Under titlen Undercurrents har vi inviteret 5 internationale kunstnere, som arbejder inden for forskellige områder: Tegning og rumlig installation, mode, smykker og fotografi, men de har alle én ting til fælles: De har været venner i mange år.

The exhibition aims to explore and visualise the role that the undercurrent plays both in relation to friendship and in relation to the necessary inner demarcation of the individual when it comes to taking an artistic position.

The aim is to discover the influence of different but also shared experiences and narratives, how this manifests itself in the exhibition preparations and ultimately in the exhibition space.

Udstillingen har til formål at undersøge og visualisere den rolle, som understrømmen spiller både i forhold til venskab og i forhold til den nødvendige indre afgrænsning af individet, når det kommer til at indtage en kunstnerisk position.

Målet er at finde ud af, hvilken indflydelse forskellige, men også fælles erfaringer og fortællinger har, hvordan dette manifesterer sig i udstillingsforberedelserne og i sidste ende i udstillingsrummet.

Undercurrents are movements that run beneath the surface. They are directional forces in a mass that increase or decrease, appear or disappear depending on what influences their interaction. A main current arises from their interaction and the more stable the individual currents are, the more likely it is that cyclical systems such as the Gulf Stream or monsoon will develop. If the interaction between the undercurrents gets out of balance, the system collapses - with unpredictable but likely catastrophic consequences.

Undercurrents er bevægelser, der løber under overfladen. De er retningsbestemte kræfter i en masse, som øges eller mindskes, opstår eller forsvinder afhængigt af, hvad der påvirker deres samspil. En hovedstrøm opstår af deres samspil, og jo mere stabile de enkelte strømme er, jo mere sandsynligt er det, at der udvikles cykliske systemer som f.eks. golfstrømmen eller monsunen. Hvis samspillet mellem understrømmene kommer ud af balance, kollapser systemet - med uforudsigelige, men sandsynligvis katastrofale konsekvenser.

In a cultural sense, undercurrents are understood as locally differentiated movements that form in opposition to the mainstream, often even as a reaction to it. Critical movements in particular are less concerned with maintaining the mainstream than with giving it a new direction. They don't see themselves as cyclical, but follow the idea of cultural progress and change. They see their function and legitimacy in the possibility to revise and question developments.

​I kulturel forstand forstås undercurrents som lokalt differentierede bevægelser, der dannes i opposition til mainstream, ofte endda som en reaktion på den. Især kritiske bevægelser er mindre optaget af at opretholde mainstream end af at give den en ny retning. De ser ikke sig selv som cykliske, men følger ideen om kulturelle fremskridt og forandringer. De ser deres funktion og legitimitet i muligheden for at revidere og sætte spørgsmålstegn ved udviklingen.

​On a more personal level, they might even be considered unconscious factors that influence a creative process. They can be past experiences, personal beliefs, cultural background and emotional states or more subtle influences such as personal anecdotes, hidden narratives that can add layers of meaning and take the work in new directions. These currents become part of the mental and emotional landscape and affect us in ways that may not be immediately apparent.

På et mere personligt plan kan de måske endda betragtes som ubevidste faktorer, der påvirker en kreativ proces. Det kan være tidligere erfaringer, personlige overbevisninger, kulturel baggrund og følelsesmæssige tilstande eller mere subtile påvirkninger som personlige anekdoter, skjulte fortællinger, der kan tilføje lag af betydning og føre værket i nye retninger. Disse strømninger bliver en del af det mentale og følelsesmæssige landskab og påvirker os måder, som måske ikke er umiddelbart synlige.

​

Izabel Angerer has put her painting degree aside and consciously stepped away from narrative work. Despite working without a narrative, Izabel's terror of the white sheet is unprecedented. Making tracks feels very natural and allows her to let go of control. Starting from a grid, she uses different techniques to create a rhythm in the successive actions. These actions ensure that in addition to her own control, she also challenges the limits of the paper as a carrier. In several of the works, the paper has an abundance of layers. This palpable multiplicity of paint manipulates the carrier and creates a vulnerability precisely where one would not expect it due to the thickness. At other times, in other works, the paper is perforated to such an extent that only a fragile sheet remains. The pores become visible, exposed. They make the paper vulnerable and invite your fingers to experience their texture.

Izabel Angerer har lagt sin maleruddannelse til side og er bevidst trådt væk fra det narrative arbejde. På trods af at hun arbejder uden et narrativ, er Izzabels terror mod det hvide lagen uden fortilfælde. At lave spor føles meget naturligt og giver hende mulighed for at give slip på kontrollen. Med udgangspunkt i et gitter bruger hun forskellige teknikker til at skabe en rytme i de successive handlinger. Disse handlinger sikrer, at hun ud over sin egen kontrol også udfordrer grænserne for papiret som bærer. I flere af værkerne har papiret en overflod af lag. Denne håndgribelige mangfoldighed af maling manipulerer med bæreren og får en sårbarhed netop der, hvor man ikke ville forvente det på grund af tykkelsen. På andre tidspunkter, i andre værker, er papiret perforeret i en sådan grad, at der kun er et skrøbeligt ark tilbage. Porerne bliver synlige, blottede. De gør papiret sårbart og inviterer fingrene til at opleve deres tekstur.

​

Lamine Diouf started his artistic education at the Ecole Nationale des Beaux Arts in Dakar and played violin for several years in L'Orchestre Symphonique Mélodie Divine. After moving to Europe, he concentrated more on performing arts, poetry and took his first steps in textile weaving. The interplay between these different disciplines allows him to tell a story of his origins, of his past and present, living as a mediator between different cultures and traditions and supporting mutual understanding.

Since 2020, Lamine Diouf has been responsible for the process of making handwoven clothing for Jan-Jan van Essche's men's wear collection in Antwerp.

Lamine Diouf startede sin kunstneriske uddannelse på Ecole Nationale des Beaux Arts i Dakar og spillede violin i flere år i L'Orchestre Symphonique Mélodie Divine. Efter at være flyttet til Europa koncentrerede han sig mere om scenekunst, poesi og tog sine første skridt inden for tekstilvævning. Samspillet mellem disse forskellige discipliner giver ham mulighed for at fortælle en historie om sin oprindelse, om sin fortid og nutid og leve som en mægler mellem forskellige kulturer og traditioner og støtte gensidig forståelse.
Siden 2020 har Lamine Diouf været ansvarlig for processen med at fremstille håndvævet tøj til Jan-Jan van Essches men’s wear collection i Antwerpen.

​

Haleh Redjaian‘s work draws on the diversity of two cultures. In her line drawings on paper, on hand-woven rugs and in her large-scale installations, she combines the geometric tradition of Western modernism with Persian ornamentation.

Her abstract works and complex systems of order are the result of lines and shapes with which she constantly develops new structures, geometric forms and compositions. Haleh's endless serial repetitions of extremely delicate individual elements, which are clearly handmade, suggest a patient humility in creating and producing, which in turn indicates an equally intense concentration of perception.

Haleh Redjaian trækker i hendes værker på mangfoldigheden i to kulturområder. I hendes stregtegninger på papir, på håndvævede tæpper og i hendes store installationer kombinerer hun den geometriske tradition fra vestlig modernisme med persisk ornamentik.

Hendes abstrakte værker og komplekse ordenssystemer er resultatet af linjer og former, som hun hele tiden udvikler nye strukturer, geometriske former og kompositioner med. Halehs endeløse serielle gentagelser af ekstremt delikate enkeltelementer, som tydeligvis er håndlavede, antyder en tålmodig ydmyghed i forhold til at skabe og producere, hvilket igen indikerer en lige så intens koncentration af perception.

​

Stephanie Schneider's purist sense of beauty was fostered by her secluded, bucolic surroundings growing up in the sublime landscape of the German Alps, and through traditional craft techniques she has found a medium to express this unique aesthetic. Schneider's textile background is evident in each of her pieces, where she transforms her sense of pure and precise textures into delicate, timeless jewellery of the highest quality with great dexterity and attention to detail. She blends materials ranging from mohair to silk and linen with traditional jewellery metals. Schneider's jewellery brand 17 was launched in 2006 in Berlin and is presented four times a year to an international audience during Paris Fashion Week. She also collaborates with other artists and designers on special projects and exhibitions.

Stephanie Schneiders puristiske sans for skønhed blev fostret af hendes afsondrede, bukoliske omgivelser, da hun voksede op i det sublime landskab i de tyske alper, og gennem traditionelle håndværksteknikker har hun fundet et medie til at udtrykke denne unikke æstetik. Schneiders tekstilbaggrund er tydelig i hvert af hendes værker, hvor hun med stor fingerfærdighed og sans for detaljer omdanner sin sans for rene og præcise teksturer til delikate, tidløse smykker af højeste kvalitet. Hun blander materialer lige fra mohair til silke og hør med traditionelle juvelermetaller. Schneiders smykkemærke 17 blev lanceret i 2006 i Berlin og præsenteres fire gange om året for et internationalt publikum under Paris Fashion Week . Hun samarbejder også med andre kunstnere og designere om særlige projekter og udstillinger.

​

Benedikt Terwiel is interested in the ‘landscapes’ of everyday surroundings. He asks what cultural and historical narratives they are connected to and how they can be reflected upon in his works.

His works put down stakes and mark in space, as if setting coordinates could overcome alienation.

As an important point of reference, he undertook several long walks, including from Lourdes to Santiago (2007), from Bonn to Basel (2009), from Florence to Rome (2010) and under the title ‘a natural human habitat’ from Berlin to Rotterdam (2011).

Benedikt Terwiel er interesseret i hverdagsomgivelsernes "landskaber". Han spørger, hvilke kulturhistoriske fortællinger de er forbundet med, og hvordan de kan reflekteres over i hans værker.

Hans værker sætter pæle ned og markerer i rummet, som om det at fastsætte koordinater kunne overvinde fremmedgørelse.

Som et vigtigt referencepunkt foretog han flere lange vandringer, bl.a. fra Lourdes til Santiago (2007), fra Bonn til Basel (2009), fra Firenze til Rom (2010) og under titlen "a natural human habitat" fra Berlin til Rotterdam (2011).